Nuevas películas originales de Netflix: edición de julio de 2023

Después de ver el nuevo y mejorado Extraction 2 y una versión moderna de un thriller de paranoia de los años 70, los suscriptores de Netflix pueden elegir entre cuatro nuevas comedias románticas de cuatro países, todas orientadas en torno a las tensiones entre el amor y los negocios. (Sin embargo, solo uno tiene a Gabrielle Union dando un paseo por el lado de los pumas). Aquellos que no estén interesados ​​en el amor y el amor pueden ir lo más lejos posible en la dirección opuesta con un resbaladizo thriller de venganza japonés que juega sus cartas mucho más cerca del chaleco. Una animada mezcla de géneros le da a Netflix uno de sus títulos animados con mejores reseñas y más vistos, y aquellos que aún experimentan abstinencia posterior a la Sucesión pueden aliviar sus síntomas con una actuación escalofriante de Sarah Snook. En cualquier caso, el verano ya está aquí y todos necesitamos una buena razón para protegernos del calor; Netflix está muy feliz de hacerlo. Continúe leyendo para conocer todos los detalles sobre las películas originales de Netflix agregadas recientemente al servicio este mes.

El debut sorprendentemente confiado de Juel Taylor continúa el legado de ansiosos thrillers de los años 70 como The Spook Who Sat by the Door, películas cuya paranoia sobre actos conspirativos de líneas raciales fue validada por la revelación de que el gobierno en realidad estaba tramando una mierda. Un traficante (John Boyega), su rival (Jamie Foxx) y una astuta trabajadora sexual (Teyonah Parris) descubren que los clichés de la vida urbana no son sociología natural sino más bien un esfuerzo concertado de los blancos estadounidenses para convertir a las poblaciones negras en dóciles. caricaturas de ellos mismos. Con una embriagadora mezcla de suspenso y humor irreverente (bebida de uva, servicios bautistas y hip-hop Top 40 figuran en la trama para controlar la cultura negra) y ciencia ficción mirando nerviosamente por encima del hombro, Taylor logra el chiste excepto que no. -Realmente registro de su sátira. Pone la nefasta del Hombre en términos exagerados para su valor de entretenimiento, pero el sentimiento subyacente de que los apéndices clandestinos del poder trabajan en las sombras para socavar la demografía marginada suena demasiado cierto. (Solo trate de no distraerse demasiado preguntándose si la textura granulada no del todo correcta es el resultado de una filmación analógica real y una transferencia extraña a la plataforma comprimida de Netflix o una imitación digital de una tira de película auténtica. Es suficiente simplemente disfrutar el viaje. .)

El título de este spinoff del 2018El thriller de supervivencia postapocalíptico suena como un reality show en el que veinteañeros salen en el transcurso de un verano loco, pero en realidad es una mejora sorprendente con respecto al estúpido original.Escritores-directores David y Àlex Pastor se hacen un favor replanteando a los monstruos que matan a todo aquel que abre los ojos como una fuerza más abstracta y conceptual que la última vez, ahora posiblemente una extensión de la voluntad divina de Dios o un capricho de la física cuántica. Su otro movimiento astuto tiene que ver con la verdadera naturaleza del protagonista Sebastián (Mario Casas) y su hija, Anna (Alejandra Howard), las interioridades y simpatías de los personajes desafiadas con giros que tienen un significado más profundo que simplemente tirar de la alfombra. El esquema argumental de la película anterior de un éxodo tenso en busca de un santuario se convierte en una misión más oscura y complicada en su segunda encarnación, incluso si todo se resuelve de una manera moralmente ordenada que contradice la ambivalencia ganadora de la primera hora más o menos. Los momentos finales cortejan descaradamente a otra entrega más, pero considerando el ingenio de ésta, oye, ¿por qué no?

Una vez que te hayas acostumbrado al extraño estilo de animación por computadora del socio de Netflix, DNEG (es demasiado mecánico y demasiado suave), hay mucho para disfrutar en esta versión larga de la novela gráfica de culto sobre el caballero gay Ballister Boldheart (con la voz de Riz Ahmed) y la valiente adolescente Nimona (con la voz de Chloë Grace Moretz). Los personajes y su misión de limpiar a Ballister del asesinato de la reina olfateando al verdadero asesino no tienen un interés tan consistente como el mundo donde todo sucede: una inteligente fusión de fantasía medieval del viejo mundo y ciencia del siglo XXII. Está repleto de lanzas láser y arquitectura artúrica y supersónica. El humor y el desarrollo del personaje se dirigen hacia niños de 12 años, lo que no tiene por qué ser algo malo; apreciarán la despreocupación malcriada de Nimona y los desafíos relacionados con los sentimientos que hay detrás, así como el diseño artístico brillante y amigable, que ofrece un sustituto sintético estadounidense del anime. Principalmente, debería inspirar a los espectadores a buscar el cómic original (decididamente más agradable a la vista) de ND Stevenson y aventurarse más en el universo.

Ellie Kemper asumió el papel de una divorciada amargada que recibe una dosis de autosuficiencia en una escapada de supervivencia para cambiar de ritmo, un respiro de la alegre y juvenil Kimmy Schmidt y Erin de The Office. Pero aunque el tema puede ser más importante (estamos lidiando con el dolor, la culpa y una enfermedad ocular degenerativa narrativamente tensa), la comodidad sin límites de esta comedia romántica estándar no está tan lejos de la inocente inocencia por la que ella es la más conocida. (Kemper ha descrito a su personaje, Helen, no como enojada o hastiada sino como una “gruñona”, una distinción crucial que habla de la noción suavizada de las experiencias difíciles de esta película). Sin embargo, la simpática y relativamente sensata Kemper toca los ritmos de su arquetipo con toda su fuerza. -en autoinversión, que es mucho más de lo que se puede decir de la porción animada de Wonder Bread conocida como Luke Grimes, con quien forma pareja. Su dureza genérica hace que la película que lo rodea parezca más confusa, luchando contra el encomiable aunque calificado esfuerzo de Kemper por diferenciarse de sí misma.

La configuración de este experimento mental distópico parece sacada de los sueños más locos de Peter Thiel: en el futuro, los pobres sucios podrán mantenerse a flote a lo largo de una línea de pobreza abyecta vendiendo años de sus vidas a compradores del uno por ciento. El descarado representante de ventas Max (Kostja Ullmann) lo plantea como un intercambio lógico, que lleva dinero a quienes lo necesitan y tiempo a personas que lo gastarán en una mejor calidad de vida. Sin embargo, llega a comprender la brutalidad casual de esta práctica cuando su casa se incendia y el banco viene a cobrar los 40 años que su esposa puso como garantía para comprarla. Instantáneamente se convierte en una persona mayor y comienza un viaje por el mercado negro en busca del proceso de reversión que, según han oído, se puede realizar debajo de la mesa en Lituania. El director Boris Kunz parece haber pensado más en el elegante futurismo de la estética que en los fundamentos de su comentario, que afirma enfáticamente cosas en las que todos estamos de acuerdo: los ricos son horribles, la atención médica es una industria cruel, nuestro tiempo finito en la tierra es algo precioso, con una franqueza contundente. Presentar sus críticas en un thriller ansiosamente distópico les da un poco de emoción adicional, pero aun así, esta andanada ampliamente esbozada deja poco para reflexionar.

La ingeniosa imagen del atraco de Jérémie Rozan imagina la ciudad francesa de Chartres como una ciudad industrialgobernado por la dinastía Breuil y su fábrica produciendo alta perfumería, un artículo de lujo con un valor arbitrario altísimo que realmente irrita a los trabajadores por sus bajos salarios. Era sólo cuestión de tiempo hasta que algún operador astuto comoSalvador(Raphaël Quenard) tuvo la brillante idea de robar un producto de la parte superior para revenderlo en el mercado negro, y su pequeño negocio se expandió hasta convertirse en un premio mayor de 2,5 millones de euros con la ayuda de su mujer interna, la despreciada directora de recursos humanos (Agathe Rousselle, mostrando algún rango despuésTitane al retratar a una persona normal) consciente de cierta contabilidad creativa.Su estafa es una simple despedida anticapitalista.refrescantemente despreocupado por la ilegalidad del proletariadoacción contra los opresores burgueses, pero todo llega a parecer una pretensión de descarada botín de reyes del crimen como Scorsese, Tarantino, Boyle y el resto del panteón de carteles de dormitorios felices con locuciones en off y montajes. Llámelo At-Best-OKFellas.

Dejando de lado la secuencia de acción de larga duración que supera la versión de la entrega anterior en términos de duración e inutilidad, hay una agradable falta de pretensión en este retroceso de la DTV. El mercenario retirado Tyler Rake (Chris Hemsworth, un tipo que parece que su nombre podría ser "Tyler Rake", que en un momento usa un rastrillo como arma) regresa al juego para One Last Mission a instancias de su ex- esposa, rescatando a su hermana, sobrina y sobrino de la prisión georgiana en la que se encuentran recluidos. La placentera tensión hablará a los nostálgicos de los thrillers B de bajo presupuesto de los noventa; los pasajes portátiles de los tiroteos se mueven como artes marciales de fuerza contundente, la trama solo se retrasa ligeramente cuando Tyler tiene que tener algunos sentimientos con la esposa que se escapó, y el villano nacido en el extranjero tiene una amenaza extra genérica. Parece que todo el mundo tiene barba. Excepto, claro está, la gran iraní Golshifteh Farahani, que domina la pantalla como la mano derecha de ojos acerados de Tyler. A la vez ágil y musculosa, ella dirige el espectáculo, el raro caso de un personaje que realmente merece un spin-off en lugar de que se lo impongan. El movimiento más inteligente de la película es mantener la profesionalidad entre ella y su compañero platónico Tyler, una dinámica poco común de hermanos intergénero.

La continua insistencia de Netflix en lala simpatía de Adam Devine engendraOtra comedia más que demuestra en gran medida lo contrario, en este caso presentando al excitable niño varón como un tonto macho beta bastante seguro de que su Los padres de su prometida (Pierce Brosnan y Ellen Barkin, ambos ágiles y afables) planean robar el banco donde él trabaja. La película no tarda demasiado en confirmar sus sospechas, una elección acertada y fuera de lugar. con el injerto de yuks al estilo Happy Madison en tropos de género, mucho más torpe aquí que en, digamos, el generalmente agradable Murder Mystery. Aunque Michael Rooker tiene algunos buenos momentos como el Fed que bebe Mylanta y licor en el caso, la sensibilidad cómica general se ve afectada por su arraigo. en una mentalidad extrañamente conservadora. (El arco de Devine de deshacerse de su estupidez por una masculinidad convencional adquiere un sesgo poco halagador a la luz de una broma que se burla de la noción de desfinanciamiento policial, por ejemplo). Brosnan y Barkin aportan la presencia inherente en la pantalla que falta en otros lugares, y son los que más se salvan. Diálogo embarazoso. Pero no pueden hacer mucho para salvar un concepto que sirve a dos maestros tonales y no hace lo correcto con ninguno de ellos.

Cuando Harry conoció a Sally… reflexionó hace décadas sobre la cuestión de si un hombre y una mujer pueden ser amigos platónicos. Pero porqueNora Efronerróneamente aterrizó en "no", comedias románticas como esta suave y bien intencionadafilipino Importar continúa acariciando la barbilla al respecto. Charlie (Lovi Poe) y Kurt (Carlo Aquino) dicen que son solo amigos, pero cuando ella lo ayuda a conseguir a la chica de sus sueños (Sarah Edwards) a través de una aplicación, sus punzadas de celos le informan que tal vez no termine esa noche. hace todos esos años.Sus esfuerzos por deshacer su propio emparejamiento (otro riff lateral más deCyrano de Bergerac se sentará algorítmicamente al lado The Half of It: saca su peor lado más de lo que la película parece darse cuenta, enviándola a lugares alienantes y egoístas mientras planea romper lo bueno que tiene este hombre que dice preocuparse. Y al director Easy Ferrer no le va mucho mejor con el humor que con la caracterización,sus travesuras no son más frescas que la tensión de voluntad-ellos, no-ellos recalentada como las sobras de sus superiores.

No refleja muy bien el carácter de un hombre cuando se gana el apodo de “Sr. Coche” porque lo que lo define es poseer un vehículo mejorado. Y sin embargo, ese es el caso del héroe de Pan Samochodzik.libros (retratados aquí por Mateusz Janicki, de mandíbula fuerte): sosteníaLos lectores polacos quedaron cautivados durante los años 60 y 70 con suhazañas valientes mientras cazas y consigues artefactos de valor incalculable para el museo más prestigioso de Varsovia. La comparación con Indiana Jones casi exige ser hecha, un marco de referencia poco halagador para la interpretación genérica de Janicki del Sr. Car, ya que con frecuencia es eclipsado por sus compinches: la feminista radical Squirrel (Kalina Kowalczuk) y el científico loco Mentor (Piotr Sega). Su misión de recuperar una reliquia de valor incalculable de los días medievales de la cristiandad tampoco requiere un interés sincero en los estudios sociales a la par del Tesoro Nacional, una indiferencia hacia la historia que también se extiende al descuidado diseño de producción del período de los años 70. No tiene sentido licenciar una propiedad literaria querida sólo para eliminar todos sus rasgos distintivos.

La comedia romántica producida en Turquía del año pasado que enfrenta a dos supuestos expertos en relaciones merece algo de crédito por una premisa de secuela que se siente orgánica en lugar de obligatoria. El último terminó con Asli (Demet Özdemir) y Kerem (Sükrü Özyildiz) uniéndose y, naturalmente, su próxima entrega hace un balance de los obstáculos que esperan después del felices para siempre. Ella comparte cierta inquietud comprensible sobre la perspectiva de matrimonio cuando él va demasiado lejos al renunciar a toda la empresa, y con eso, los juegos regresan mientras ella maniobra para volver a atrapar a su hombre. Su buen carácter los diferencia de la mayoría de los empalagosos y acaramelados.que pueblan las selecciones de citas nocturnas de Netflix, ofreciendoun cambio de ritmo vigorizante en su voluntad de comportarse un poco más mal. En todo caso, la película podría tomarse su conflicto un poco menos en serio; La idea es que todo esto sea divertido, asegurado por la confianza de Asli de que conoce su aversión al compromiso. abucheo mejor de lo que él mismo se conoce. Jugar juegos es su normal.

Es como un reverso generacional.Giro turco en The Parent Trap: un par de entrometidoslas abuelas (Yildiz Kültür y Zerrin Sümer, su relación cómica trasciende la barrera del idioma) engañansus nietos adultos (la atractiva pareja formada por Ekin Koç y Ayça Aysin Turan) para que regresen a su ciudad natal, con la esperanza de reavivar la llama que se apagó cuando eran adolescentes enamorados. Mientras nuestra chica Sahra persigue a Deniz para una entrevista para una revista que podría ser algo más, el guión se adhiere rigurosamente a la convención de las comedias románticas más allá del cliché, aunque todo está presentado pensando en brindar un placer puro y fácil. Los inventos que empujan inexorablemente a los amantes duplican su notoriedad en lugar de aferrarse al realismo y quedarse cortos, sonriendo y guiñando un ojo a través de confusiones que casualmente los ponen en citas a lo largo de la deslumbrante costa mediterránea.Pero el principal activo de la película es la luminosidad que irradian Koç y Turan, que parecen semidioses caminando entre los mortales.

Los primeros minutos de esta esponjosa comedia romántica producida y protagonizada por Gabrielle Union predicen una bagatela de género sin complicaciones: una relación aparentemente perfecta con el tipo equivocado, un escándalo que hace que nuestra chica Jenna (Union) vuelva a lo básico y un trabajo en el negocio de la moda. demasiado glamoroso y fácil de adquirir para ser real. Dentro de los límites de su gancho no tan afilado: Jenna, de 40 años, golpea la pelvis con un agradecido veinteañero (Keith Powers) que resulta trabajar en su departamento y resulta ser el hijo de su jefe. – la película encuentra un puñado de virtudes menores únicas, muchas de ellas atribuibles a la aclamada novela original de Tia Williams. La pareja se une por su aprecio por la innovadora estrella de cine negra Nina Mae McKinney en un momento que parece una lección de historia, pero su principal fortaleza es una dignidad mutua que está ausente en tantas entradas en un género demasiado aficionado a la estupidez conveniente y humillación gratuita. Es suficiente ver a dos personas decentes enamorarse y una ventaja cuando su resultado no es tan simple.

La favorita de la sucesión, Sarah Snook, vuelve a adoptar su acento australiano nativo para una pesadilla mediocre que intenta extraer sangre del retorcido y reseco subgénero del horror del árbol genealógico. Con reminiscencias de la espeluznante película austríaca Goodnight Mommy por su estética rígida, ruptura de la dinámica de la relación madre-hijo y máscaras de manualidades infantiles espeluznantes, esta gran metáfora del trauma se pone en marcha cuando la doctora en fertilidad Sarah (Snook) escucha a su hija, Mia ( Lily LaTorre), refiriéndose a sí misma como Alice, que es el mismo nombre de la hermana de Sarah que desapareció hace tantos años. Que la chica no desapareció simplemente es muy obvio mucho antes de que el guión dé su giro decepcionante, un error de escritura acorde con la dependencia de los clichés narrativos (y en los muchos casos de sobresaltos, visuales) del resto de la película. película. Snook parece bastante atormentada, empujándose a través de canales más oscuros hasta sus extremos emocionales probados, pero la dirección funcional y corriente de Daina Reid la defrauda.

El cantante danés Christopher Lund Nissen (conocido por sus fans como el monónimo Christopher) tiene una fuerte mandíbula de granjero, una mata de cabello rubio y ojos tiernos que desmienten las lascivas insinuaciones de temas como “CPH Girls” y “Twerk It Like Miley”. .” Era inevitable que algún productor emprendedor lo mirara y viera a una estrella de cine, pero esta endeble plataforma para su presunto carisma y su real perspicacia musical no ganará a muchos nuevos conversos. Se ilumina cada vez que toma un micrófono, dejando mucho tiempo para ser ocupado por una historia de origen pop formulada que revela los límites de las habilidades de Christopher como actor. El diálogo enlatado, los pliegues ilógicos de la trama y el arco rancio del estrellato de la noche a la mañana no le están haciendo ningún favor, acentuando la falsedad de las lecturas de las líneas de alguien más cómodo con los vibrantes koans del lirismo que con las oraciones humanas reales. Un clímax orientado alrededor de su opuesto romántico (Inga Ibsdotter Lilleaas) que repentinamente queda embarazada resume la locura de Christopher mientras intenta escalar la escalera al siguiente nivel de fama, abusando de sus habilidades para emocionarse mientras juega con su egoísmo poniendo la banda sonora del momento con un maíz. -Canción de jarabe que le escribió a su esposa en la vida real por tener a su bebé.

Como uno de esos genios de Silicon Valley que anuncian que han inventado el uso del autobús, Merve (Ahsen Eroglu) tiene una gran idea para salvar su casa embargada: un sitio de citas que no es para encuentros sexuales, sino (entiendan) para relaciones serias, el integridad de estas conexiones garantizada mediante el uso de una mascarilla facial con cancelación de tocador. Básicamente, convirtiendo la última campaña publicitaria de match.com en un largometraje, la brillante comedia romántica turca de Cemal Alpan encuentra más entusiasmo en los altibajos de la cultura de las empresas emergentes que en los romances entre personas maduras. Un inversor (Ozun Dolunay) ve signos de dólar en la plataforma de Merve (diseñada y lanzada al mercado a pesar de una evidente falta de conocimientos técnicos, uno de los muchos casos ignorados de escritura a medias) y compra su entrada, sus esfuerzos iniciales. para sacarla de su propia compañía que se descongela en atracción mutua en los términos más torpes. La revelación de sus motivos ocultos no tiene más sentido que el resto de las inverosimilitudes aquí, una historia sobre las relaciones humanas aparentemente escrita sin ninguna familiaridad con la especie.

Ahora aquí está la rara comedia romántica importada de Netflix, una clasificación de género con un techo bajo y un piso mucho, mucho más bajo, que logra ser divertida y confusa en su incompetencia, completamente divorciada de la realidad menos en su adherencia a la invención cinematográfica y más en su confusión sobre cómo funciona el amor. Los personajes de películas como esta actúan un poco locos porque tienen que hacerlo (esto no es la vida real), pero es posible que Mae (Miles Ocampo) y Norman (Kelvin Miranda) no sean de esta Tierra. Inicialmente se unieron cuando él ofrece soporte técnico de back-end para su minorista de camisetas en línea, pero se unen a través de rituales extraños como mostrarse mutuamente una identificación emitida por el gobierno para establecer confianza y ella oler profundamente su cabello cuando él se queda dormido después de una larga noche de codificación. Sin embargo, su comportamiento aberrante encaja en el esquema más tonto de todos: una mujer perfectamente encantadora se presenta como una chica más convencional para competir con una chica glamorosa, reiterando la lección inmortal de que los niños se darán cuenta de lo gran persona que eres sólo una vez que te hayas convertido. caliente.

Esta secuela ofrece toda la intriga corporativa basada en tomates que los fanáticos presumiblemente existentes de esta incipiente serie esperan, siguiendo al comerciante de productos agrícolas Teto (Danilo Mesquita) mientras considera enfrentarse a un tiburón como socio (Roney Villela). Pero el director Bruno Garotti no puede decidir si está más interesado en la posición del imperio vegetariano de Teto o en su deteriorada relación con su novia a larga distancia (Giovanna Lancelloti), que se enamora del noble y desinteresado médico (Adanilo Reis) que ayuda a ella trata a los habitantes del Amazonas. Esa falta de enfoque solo empeora a medida que se acumulan las tramas secundarias, incluido el viaje de superación personal de Teto, que principalmente implica que se vuelva "terrenal" al pasar una sola tarde con algunos indígenas que, por razones desconocidas, no lo detestan. Le gusta una atractiva chica local (Kay Sara), apreciada condescendientemente por su sencillez e inocencia, lo que lleva al raro escenario en el que un protagonista merece terminar sin ningún punto en un triángulo amoroso laboriosamente formado.

Algo está podrido en la remota ciudad rural japonesa que Yu Katayama (el apuesto Ryusei Yokohama) considera su hogar, y no sólo en la planta de gestión de residuos donde se gana la vida condensando basura. Sus compañeros de trabajo abusan constantemente de él, no puede irse debido a las deudas de juego de su madre y prácticamente carece de amigos, hasta que la atractiva Misaki (Haru Kuroki) regresa de Tokio y llama la atención no deseada del matón rival de Yu, Toru (Wataru Ichinose). ). El director Michihito Fujii trabaja en un estilo elíptico que desafía al espectador a conectar los puntos, poniendo a prueba a veces una comprensión simple pero, en última instancia, más gratificante por la forma aturdida en que se tambalea hacia el clímax desgarrador y onírico. La naturaleza porosa de la realización cinematográfica permite que las ideas floten libremente dentro y fuera de foco; Las preguntas sobre el anonimato, la justicia, el ambientalismo, la tradición versus la modernidad y el destino generacional rechazan las respuestas, contentos con incluir en una película algunos matices más opaca que el estándar de Netflix. Yokohama ancla la atmósfera espacial con una actuación que ofrece señales a través de un melodrama más comprometido con la lógica emocional que secuencial, su reacción expresiva dispara un lenguaje tácito propio.

Hollywood hizo una película sobre Qué esperar cuando estás esperando, por lo que es justo que los holandeses tengan la misma oportunidad de narrativizar su guía estándar sobre el embarazo y obtener resultados igualmente mediocres. Un conjunto de parejas que se precipitan hacia la paternidad encarnan la variedad de obstáculos que enfrentan los procreadores esperanzados: adictos al trabajo que luchan por adaptar sus carreras a sus nuevas responsabilidades, lesbianas que atienden la solicitud de su donante de esperma de ser una parte más importante de la vida de sus descendientes genéticos, una madre autoritaria -Ley que impone la tradición marroquí a su nieto. (Lamentablemente, muchos chistes racistas sobre la circuncisión en este último). Al igual que con su contraparte estadounidense, las perlas de sabiduría que la película pretende ofrecer no son exactamente reveladoras, ya que enfatizan la importancia de cualidades como la honestidad, la paciencia y la apertura de mente en la crianza de los hijos. el didactismo omnisciente de un instructor de clase de mamá y yo. Dado que la escritura simplista no puede cumplir con un estándar básico de realismo emocional, todos sus consejos resultan básicos y teóricos, creando escenarios de softbol que se resuelven tan fácilmente como un cambio de pañal.

Como mercenaria sin nombre e incomparable atraída desde su retiro por la misión de rescatar a su hija, Jennifer López es una madre en un sentido menos coloquial de lo habitual en esta olla elevada por su crudo magnetismo. Gael García Bernal se divierte como un jefe criminal que ataca a los cachorros de esta feroz mamá osa, y la directora Niki Caro muestra sólidos fundamentos para orquestar la acción desde debajo de la suciedad visual del estilo de la casa de Netflix, pero es López quien dirige el espectáculo aquí. Dejando de lado el aspecto físico (esta mujer es aparentemente inmune a los estragos del tiempo), tiene esa aptitud única de estrella de cine para hacernos participar en cada una de sus emociones. Si bien interpreta ritmos amplios y trillados de personajes en un registro ligeramente consciente de su propia calidad cinematográfica, lo hace con tal convicción que el espectador aplaude sus triunfos y lamenta sus luchas. Viniendo de cualquier otra persona, escribir directamente sobre la maternidad que libera un potencial latente suficiente para levantar un automóvil sonaría ridículo. López nos lo hace creer.

La actriz convertida en escritora y directora Megalyn Echikunwoke condensa mucho dolor en 20 minutos para uno de los raros estrenos cortos de Netflix. Gemina (Alexis Louder) le dice a su médico que algo no se siente bien durante el parto, aunque su queja no es escuchada y la dolencia le provoca un aborto espontáneo. Este evento traumático la persigue en la forma de una figura encapuchada que comete actos sádicos de violencia, una metáfora desmontada en el último minuto como un giro que hace que su significado sea literal hasta el punto de la mano dura. Por muy correcto que sea el punto de vista de Echikunwoke acerca de que el establishment médico ignora las voces de las mujeres negras, ella nos golpea en la cabeza como el espectro sin rostro que embrutece a Gemina.

De las muchas, muchas imitaciones de Eat Pray Love nativas de la biblioteca de Netflix, ninguna convierte su perspectiva exotificada en texto de manera tan astuta como esta comedia romántica que envía a nuestra descarriada mujer blanca a un autodescubrimiento en Vietnam. Amanda (Rachael Leigh Cook de Josie and the Pussycats) llega al país como representante de una empresa de turismo estadounidense que pronto se instalará en Hanoi, con la tarea de captar la belleza local y reenvasar su atractivo para el mercado blanco estadounidense. Pero la guionista Eirene Tran Donohue no extrae la sátira del transformador affaire de coeur de Amanda con un galán local (Scott Ly). Sus esfuerzos, en cambio, se centran en ofrecer una imagen más optimista de Vietnam que no se vea empañada por el peso trágico de la guerra. Amanda y su novio se divierten en algunos lugares deslumbrantes, pero el esplendor natural es un poco menos atractivo cuando se nos presenta de manera tan abierta.

Con algunas películas, puedes escuchar la reunión de presentación mientras las miras. En el caso de esta comedia de doble concepto, la mente se dirige a la imagen de un guionista explicando a una sala llena de ejecutivos de Netflix, con un marcado acento sueco: "¡Es el día de la marmota y el 13 llega a los 30!". En menos de diez palabras, entendemos perfectamente la historia de una mujer de 40 años arruinada enviada mágicamente de regreso para revivir sus días de gloria, o más bien, un día de gloria específicamente, mientras se despierta repetidamente en su cuerpo adolescente (interpretado por Hedda Stiernstedt) en su cumpleaños número 18 hasta que aprende una valiosa lección, aunque ésta se refiere menos a vivir una vida decente y más a afinar el radar gay. Al menos esta vez, tenemos una banda sonora llena de cortes de nostalgia de principios de los años desplegados con una combinación ganadora de eliminación irónica y afecto real, desde “Hot in Herre” de Nelly hasta “Sk8er Boi” de Avril Lavigne y el golpe de gracia. “Teenage Dirtbag” de Wheatus. Si tan solo los chistes dirigidos al Zeitgeist sobre reproductores de CD y gel para el cabello fueran más divertidos.

El año pasado, el primer Royalteen contó una dulce historia de amor entre la chica nueva de la escuela y el príncipe noruego de su clase, para disgusto de su hermana engreída y muy ansiosa. Esta secuela derivada traslada a la previamente desdeñada Margrethe (Elli Rhiannon Müller Osborne) al papel protagonista, y el perfil más tosco de su personaje empuja esta improbable franquicia a un territorio más pesimista con resultados positivos. En lugar de enamoramientos, tiene que preocuparse por el chantaje: un chico de su clase grabó un video de la princesa sucumbiendo a la presión de sus compañeros y criticando la coca, luego la obliga a salir con él a cambio de no filtrarlo. Mientras que la última película abordó el privilegio real como una fantasía escapista aspiracional hecha realidad, esta hace que esa premisa vuelva a la tierra, obsesionándose en cambio con las violaciones de la privacidad y la gestión obligatoria de la imagen que viene con el linaje. Incluso en este entorno juvenil enrarecido, lo que está en juego en el drama parece real, lo que sólo sirve para amplificar los inventos forzados del diálogo.

La esperanza para el mundo post-RRR era que el público general de Occidente adoptara una nueva mentalidad abierta respecto del cine indio: atenciones que estarían bien invertidas en esta película policial de Tollywood que está orientada a los detalles en su enfoque sobre la política de oficina. y ampliamente entretenido. En medio de tiroteos balísticos, humor ridículo y ocasionales números musicales, el guionista y director Ramesh Kaduri dirige una mirada excepcionalmente cínica hacia las fuerzas del orden en la región de Telangana, mostrada aquí como un pozo negro de corrupción tan despreciable que sólo puede ser drenado por un policía en a pesar de sí mismo. Arjun (Kiran Abbavaram, corpulento pero ágil) fue empujado a un negocio familiar que nunca le gustó por el padre que vio ser aplastado por altos mandos corruptos, y él carga con ese resentimiento mientras lucha contra la podredumbre interna que representa una amenaza urgente para el público. bienestar como el tráfico de drogas. La monótona cinematografía necesita un poco de animación, pero en conjunto, la película tiene la potencia de fuego necesaria.

Una duración de tres horas y diez minutos connota cierta medida de ambición. Si un cineasta va a pasar tanto tiempo haciéndonos caso, es de suponer que tendrá algo que decir. El guionista y director Luis Estrada aspira a ser un comentario sobre el estado de la nación en esta mirada satírica a la vida en el campo mexicano, enfrentando los grandes estereotipos (los latinos como amantes del tequila, irascibles y amorosos) de frente. Pero mientras que el precedente algorítmico La mano de Dios permitió a Paolo Sorrentino utilizar una bulliciosa reunión familiar como interrogatorio y crítica del concepto de carácter italiano, Estrada se ríe principalmente, como si señalara a todos estos palurdos provincianos e invitara a nosotros. para conseguir una carga de los paletos. El humor más obsceno pinta una imagen poco halagadora de la cultura local que Estrada nunca se molesta en complicar, hasta el punto de que implícitamente participa en los gestos de ignorancia y prejuicio de los que nos haría creer que se está burlando. (El único personaje trans se lleva la peor parte de esto: la anti-cereza encima de lo que sea lo opuesto a un helado).

Blood Red Sky, ya sabes, en el que los terroristas intentan secuestrar un avión plagado de vampiros, al director Peter Thorwarth le va mucho mejor en su último género, mear, este es un guiño irreverente a la explotación nazi de los años 70 y a maestros como Sergio Leone y John Huston cuyo genio inicialmente llegó al género. Estos pasos de ganso retro tienen una villanía teatral, más pronunciada en el totenkopfmeister von Starnfeld (Alexander Scheer), con la mitad de su rostro cubierto por una máscara que es un pequeño Fantasma de la Ópera y un pequeño Jack Huston en Boardwalk Empire. Están compitiendo contra un desertor (Robert Maaser) en busca de un alijo escondido de lingotes de oro, una pelea desagradable alimentada por el interés personal de todos los lados, que habla de la dura visión del mundo de películas como esta. Todos estamos muy familiarizados con el tipo debido a Bastardos sin gloria y su descendencia bastarda, pero Thorwarth se distingue por su voluntad de volverse completamente vulgar, intercambiando la precisión de la técnica por una potencia de fuego cruda y desgarradora.

Big Mouth camina sobre una traicionera cuerda floja tonal, equilibrando su visión inquietantemente franca de la sexualidad adolescente con un sincero aprecio por todo el bagaje emocional que conlleva; Esta comedia sexual alemana ilustra útilmente lo que sucede cuando escribir sobre este tema se sale de su eje sin una red de seguridad que lo atrape. Granz Henman le da la nociva Oh, Ramona de Rumania! (según mis cálculos, el peor netflick de todos) una carrera por su dinero con una premisa quejosa que ve a un par de adolescentes perdedores (Tobias Schafer y Cosima Henman) alcanzados por un rayo e imbuidos de la capacidad de escuchar hablar a sus genitales. ¡Y de una manera bastante tosca, debo agregar! Una escritura amplia, grosera y despiadadamente carente de gracia ni siquiera tiene la gracia salvadora de un sentimentalismo ganador para la magia delicada y vacilante de aquellos primeros años. Simplemente hay una sonrisa de satisfacción ante la indignidad de tener esas partes privadas rebeldes e incorregibles. Pocas veces he tenido tantas ganas de dejar de ver una película.

Este melodrama polaco queer bien intencionado se propone capturar las agonías y los éxtasis del género, pero toca más puntos candentes de los que puede responder en el camino. Nos presentan a Tosia (Alin Szewczyk), una joven que escribe fanfiction autoinsertado con un avatar masculino cuando no está ocupada reforzando clichés insensibles sobre la identidad trans y la autolesión. Encuentra un pariente en Leon (John Cieceara), el chico nuevo en la escuela con una sonrisa libertina y una relación poco convencional con la masculinidad. El guión ama a estos personajes, pero sin ser consciente de cómo funcionan sus mecanismos internos; Tosia se despierta simple y abruptamente como trans una mañana, identificándose como Tosiek e iniciando un romance con Leon a pesar de tener la misma poca narrativa preparada para ello. Los artificios de la escritura se unen para escanear como una falta de sinceridad mayor, fatal al tratar temas tan delicados. No tan atroz como Girl de Lukas Dhont, esta película sucumbe a deficiencias más suaves en su inmerecido acaparamiento de empatía.

Temido en México como un críptido acosador nocturno que subsiste a base de sangre de cabras y otros animales, el chupacabras tiene mala reputación, pero al director Jonas Cuarón le gustaría dejar las cosas claras. Esta fábula moderna y familiar expone a la criatura mítica como mucho más tierna de lo que esperábamos, una fusión un tanto sarnosa pero adorable de cachorro y liebre con un temperamento lo suficientemente suave como para hacerse amigo del solitario Alex (Evan Whitten), de 13 años. Su vínculo cada vez más profundo marca esto como una contraparte al sur de la frontera de The Water Horse: Legend of the Deep, es decir, una aventura infantil en la tradición de ET, otro riff lleno de fantasía sobre el niño. -y-su-perro. Los componentes individuales de este conocido esquema son de mayor calidad de lo habitual; el siempre genial Demián Bichir sobresale como el ex abuelo luchador de Alex, Christian Slater se divierte como el científico obligatorio que caza a nuestro amigo bicho, y el equipo de efectos visuales de Cuarón supera con creces el estándar de Netflix en su interpretación de Chupa.

La serie original de Netflix, The Last Kingdom, vuelve a empaquetar la historia real del siglo IX desde la fundación de Inglaterra como el próximo Juego de Tronos, con todo el maquiavélico acaparamiento de poder, las batallas llenas de suciedad y el costoso diseño de producción que implica la comparación. Esta conclusión de largometraje de cinco temporadas de historia será impenetrable para cualquiera que no esté al día con el largo tapiz de alianzas y traiciones, pero las escenas de combate elaboradamente coreografiadas entre ejércitos erizados de espadas pueden muy bien satisfacer las necesidades más superficiales. de los recién llegados. (Incluso si dichos enfrentamientos han sido fotografiados debajo del filtro turbio de desaturación tenue que caracteriza a un programa de televisión como un asunto de Serious Prestige.) Como el musculoso héroe Uhtred de Bebbanburg, Alexander Dreymon recorta la gallarda figura de una estrella de acción europea de la pantalla chica en el linaje de Nikolaj Coster-Waldau: espere verlo a él y a su mandíbula cuadrada en muchas producciones de Netflix por venir.

Es un refrescante cambio de ritmo cuando la calidad deficiente de una determinada Netflick toma el tenor específico de un lanzamiento directo a video de los años 90, devolviéndonos a una época en la que las malas películas tenían un poco más de carácter. Hace treinta años, este tipo duro de disparos de Francia habría sido protagonizado por Jean-Claude Van Damme, pero aquí, en 2023, Alban Lenoir (reutilizando su concisión machista de su mandato como escritor y estrella de Lost Bullet serie, cuyo director de fotografía Morgan Dalibert dirigió esta película) es un sustituto gruñón y lumpen. Aun así, la brutalidad sin complicaciones cumple con el modesto estándar que se establece, cumpliendo la simple promesa de una acción acribillada a balazos y que rompe fémures. Si pasa por alto la dinámica obsoleta entre el agente encubierto de operaciones especiales de Lenoir, Adam Franco, y el hijo del jefe del crimen confiado a su cuidado mientras se hace pasar por un gángster, encontrará una muestra filmada de manera competente de la destreza física de un ex especialista que todavía está en el cima de su juego.

Nuestro hombre Yalin (Kıvanç Tatlıtuğ) se muda con su esposa a un bucólico pueblo rural en la costa del Egeo para descansar y descansar, pero los problemas lo persiguen y lo encuentran. Después de encabezar una estafa financiera que esencialmente lo convirtió en la respuesta turca a Bernie Madoff, Yalin se enfrenta a una antipatía candente dondequiera que vaya, sus antiguos socios comerciales quieren su cabeza en bandeja y la policía tiene algunas preguntas para él sobre ese comerciante que desapareció recientemente. Solo podemos observar cómo se hunde más en la condenación en este cuento moral endiabladamente divertido, en el que cada error de juicio y mala decisión se agrava a medida que motiva un comportamiento más temerario. Sin embargo, a diferencia de la mayoría de las películas que salen mal, esta nos enseña la lección equivocada: la toma final intenta acusarnos de la corrosiva hambre de dinero del protagonista, sugiriendo con mano dura que no nos habría ido mejor con su posición. Incluso si el plano final representa un intento confuso de mostrar algo de simpatía hacia un hombre antipático, esta elección reduce la perspectiva de la película a un cinismo frívolo y universal.

No quiero pintar la política de género de Europa del Este con un pincel amplio, pero las mujeres de su producción de comedia romántica de Netflix realmente merecen algo mejor. Esta rancia película de citas sigue a uno de los mayores imbéciles en los anales de la biblioteca de contenidos del streamer, un hombre caricaturescamente desconsiderado (Mateusz Kościukiewicz, introdujo el estacionamiento triple de su auto en su camino para informarle a su novia que solo piensa en ella como una conexión fácil, ¡y justo en frente de sus padres!) a quien la película extiende una desconcertante cantidad de deferencia. La suposición lógica de que su arco lo humillará y refinará, tal vez le enseñará un par de cosas sobre cómo ser un humano marginalmente menos horrible, estaría fuera de lugar; Increíblemente, su grosero chovinismo finalmente conquista al objeto de su afecto, una mujer (Zofia Domalik) que está a días de su boda. El razonamiento emocional aquí está divorciado de cualquier cosa que se parezca a la realidad hasta un extremo absurdo, recompensando todos sus instintos más puercos.

En lo que respecta a las comedias de concepto amplio de realismo mágico, al menos Deniz Yorulmazer tiene un gancho original: la estrella de telenovelas turca Dilara (Neslihan Atagül Doğulu, haciendo una muy buena versión de Ekin-Su, la estrella de Love Island) literalmente se mete en el personaje de un comercial de champú. , se sorprende al descubrir que se ha transformado en su papel una vez que sale de la ducha. De repente, cargada con un marido vago, una prole de niños constitucionalmente incapaces de estar callados y un jefe que sufre acoso sexual casual, se abre paso hacia nuevas profundidades de empatía por la masa de mujeres que viven vidas de silenciosa desesperación. Historias como esta siempre suelen ser moralizantes en su acto final, pero lo que Yorulmazer quiere que nos llevemos no está claro: ¿podría realmente el punto ser el compromiso de los actores, que la esencia de la actuación es la capacidad de habitar la experiencia vivida de una persona inventada? ? Un punto esotérico si es así, aunque ciertamente tiene razón, aunque eso no es evidente en las caricaturas de bajo riesgo provenientes de los compañeros de reparto de Doğulu.

Los dramas basados ​​en comida tuvieron un momento genuino en 2022, una tendencia a la que Netflix se sumó demasiado tarde, aunque una relevancia ligeramente desvanecida no resta valor a los placeres sensoriales que ofrece este manjar cinematográfico de Tailandia. El talentoso y no experimentado cocinero de fideos Aoy (Chutimon Chuengcharoensukying) consigue un trabajo bajo la tutela del tiránico chef Paul (Nopachai Jayanama), quien dirige su cocina con un abusivo puño de acero inoxidable. La intensidad de la olla a presión de The Bear combina muy bien con el comentario de clase de The Menu, perfeccionado hasta un punto más matizado en este caso. En lugar de bromear con la pretensión de la alta cocina, el director Sitisiri Mongkolsiri persigue lo grotesco de sus consumidores, y su voraz deglución es un grave gesto de falta de respeto a la deliciosa comida pornográfica que se muestra ante la cámara. Hágase un favor y haga su pedido de entrega para pad see ew antes de presionar reproducir.

Finalmente, una configuración de comedia romántica con dientes reales: Staszek (Maciej Musiałowski) asiste a reuniones de la célula de nacionalistas blancos polacos de la Sociedad Juvenil Radical, aunque no le gusta mucho. Principalmente lo ve como algo que tiene que ver con su primo más intolerante (Borys Szyc), una ambivalencia que lo deja susceptible a la influencia transformadora de la atractiva izquierdista Pola (Magdalena Mascianica). Desde los primeros días de Screwball, el esquema de polos opuestos ha funcionado mejor cuando las diferencias entre los protagonistas tienen algo en juego, y el guión de Jakub Ruzyllo y Lukasz Sychowicz da algunos golpes bien colocados al gobierno polaco que se codea con fascismo. Pero un enfoque simplista a la hora de esbozar los personajes contrarresta la aspiración a la sátira política, retratando a la cohorte de Pola como ridícula en muchos de los mismos modos que la de Staszek. (También llamando a Jojo Rabbit y sus falsas equivalencias hay un personaje gay encerrado que recuerda al hombre de paja #NotAllNazis de Sam Rockwell). Aunque la conciencia de la película puede estar en el lugar correcto, no hay calor para alimentar la atracción prohibida desde el otro lado del pasillo, y no tienen sentido por qué los hace tan irresistibles el uno para el otro.

Aunque esta comedia de terror no alcanza los excéntricos máximos de la subestimada y trágicamente efímera Los Espookys de HBO, su atractivo como un saludo en español a lo macabro ejecutado con una chapuza improvisada de bricolaje presiona muchos de los mismos botones. Un trío de investigadores paranormales de la vida real inspiró a las frecuentemente objetadas damas de Fenómenos: la médium Gloria (Toni Acosta), la camarógrafo Paz (Gracia Olayo) y la fiel asistente Sagrario (Belén Rueda), unidas por su fascinación por todo lo espectral. y su hábito compulsivo de fumar empedernido. Se topan con el caso más importante de sus carreras, un encuentro posiblemente genuino con lo sobrenatural que amenaza la ya frágil relación entre estas personas que apenas se soportan entre sí. Por muy divertida que pueda ser su dinámica, no es adecuada para una película que no se avergüenza de su intención de franquiciar, y su historia se deja presumiblemente abierta para permitir futuras entregas. Se nos da una fracción de la narrativa solo para aumentar la anticipación de su siguiente parte, un movimiento comercial que obliga al arte a seguir a su audiencia.

Otra comedia de viaje por carretera aprobada algorítmicamente entre amigos mayores con equipaje que deshacerse, otra serie de travesuras leves y epifanías sobre lo que significa crecer. Este se centra en la feminidad de mediana edad con la misma modestia desglamorizada que en Wine Country, y recicla los mismos arquetipos que se remontan al menos a Bridesmaids para articularlo: Tenemos a la madre desatendida (Alejandra Ambrosi), la insatisfecha la arribista (Paola Núñez), la esposa trofeo degradada (Martha Higareda) y el bicho raro y grosero que busca las carcajadas (Valeria Vera), todo ello a cuestas. Arcadas excretoras, cheque. Autoestopista chiflado, claro. Interludio dócil de consumo de drogas, cheque. Una escena de persecución demasiado elaborada para que la naveguen aficionados, claro. Diálogo sobre la falta de dignidad al envejecer como mujer, reforzado por una película que las arrastra a través de todo tipo de vergüenzas, a gran escala. ¿Cuándo se darán cuenta estos viejos cuadros de lumpen de explotación de que no hay mayor demostración de respeto hacia nuestros mayores que darles buen material para actuar?

What's past es el prólogo de esta continuación de Luther, la serie británica de procedimientos policiales de larga duración, que reintroduce al DCI John Luther (Idris Elba, de nuevo en el papel que por primera vez insinuó a su auténtico héroe de acción).en términos que los recién llegados pueden entender fácilmente: es un policía descontrolado que no sigue las reglas, ¡Pero maldita sea, obtiene resultados! La familiaridad del modelo de personaje permite que este thriller de asesinos en serie excepcionalmente desagradable comience a funcionar sin mucho carraspeo, y no hay tiempo que perder mientras un psicópata vanaglorioso (Andy Serkis) elimina a inocentes con planes vívidamente sádicos. Agregue una secuencia increíble de fuga de prisión y Cynthia Erivo como la sensata compañera de Luther, y los placeres variados refuerzan el atractivo humilde de una película de crimen sin intención de reinventar la rueda. Así como la fórmula confiable deLey y orden: SVU puede ser una fuente de consuelo reconfortante, es extrañamente reconfortante cómo Luther, quien rompe las reglas, sigue las reglas al adherirse a los tropos de su género.

Nuestra última salida con el equipo de detectives aficionados formado por marido y mujer, Nick y Audrey Spitz (Adam Sandler y Jennifer Aniston), ofreció poco para inspirar esperanza en una secuela: chistes obsoletos, cinematografía insulsa, una aparente aversión mutua entre sus protagonistas. Qué sorpresa tan agradable, entonces, que su seguimiento muestre una mejora marcada (aunque moderada) en todos los frentes. Nick y Audrey se han vuelto profesionales con poco éxito cuando nos reunimos con ellos en una muy necesaria escapada parisina para la boda de un amigo, quien (por supuesto) es secuestrado antes de la ceremonia, lo que envía a los detectives a una investigación clásica al estilo Christie. Los tornillos de la trama se han apretado, Sandler y Aniston disfrutan de una química más amistosa y el equipo obtuvo el valor de su dinero del tiempo que pasó en Francia. No es un gran cine, ni siquiera es pop ejecutado por expertos, pero es una forma inofensiva de matar una hora y media, y ¿no es esa agradable bondad la esencia de la garantía de Netflix?

Este despiadado thriller vietnamita de la escritora, directora y estrella Veronica Ngô se remonta a las películas de explotación rápidas, baratas y sucias de los años 70 para mal y principalmente para mejor. Así que los personajes (un trío de chicas jóvenes entrenadas para ser máquinas de matar que se sueltan en la parte más vulnerable del tráfico sexual en la ciudad de Ho Chi Minh) resultan ser arquetipos débilmente esbozados, y la descripción del sufrimiento que han soportado requiere demasiado interés en quedarse boquiabiertos. ¿A quién le importa cuando estamos ocupados aferrándonos a la vida a través de secuencias de lucha viscerales y crueles que fusionan elegantemente una variedad ecléctica de disciplinas de artes marciales? Una paleta de colores espeluznantes y mugrientos ayuda a que las escenas expositivas, a veces prosaicas, avancen, e incluso el desarrollo más inestable del personaje se beneficia de un espíritu de ira vigorizante, pura y justa. La actitud implacable de Ngô le da a este espécimen excepcionalmente brutal el aire de un tartán importado de “Asia Extreme” de los años 20, siendo Kill Bill de Quentin Tarantino el eslabón perdido de influencia entre ellos.

Con el mercado inundado por clones de John Wick (uno o dos de ellos de Netflix), es simplemente un alivio tener una imagen de mercenario alborotado que no recurra al nuevo estándar de humor de neón y cejas arqueadas. y una extensa mitificación incorporada al asesinato. Cuando no está tomando el té de la tarde con amigas o preocupándose por su hija adolescente en el armario, la madre de modales apacibles Boksoon (Jeon Do-yeon) trabaja como pistolera a sueldo, la mejor en el negocio hasta que una misión la incita a desertar. La incongruencia de su doble vida se interpreta con un amplio tono de comedia que se basa más en situaciones que en bromas, y el guión se interesa más sinceramente en su composición emocional; le preocupa que su hija haya heredado su impulso de matar y se pregunta si su trabajo podría tener un efecto más grave en su vida personal que forzar su gestión del tiempo. Dejando de lado la intrincada trama de la película y sus giros forzados, Boksoon es un héroe lo suficientemente indeleble como para inspirar su propia ola de imitadores.

Estados Unidos no tiene el monopolio de las comedias suaves y cortésmente groseras sobre y para las personas mayores, como lo demuestra esta película mexicana que traduce los habituales chistes sobre Viagra al español. Como aprendimos de los 80 para Brady, mediocreEl material aún puede hacer que una película llegue bastante lejos cuando lo presenta una estrella que se pueda ver adecuadamente, y Álvaro Guerrero encaja a la perfección como el ex DJ de radio acabado conocido comoY eso (abreviatura de Enrique). Se ha visto obligado a empacar alimentos solo para poder reunir suficiente dinero para asistir a una gala de aniversario (en su honor), donde espera encontrarse con su antiguo coanfitrión y amor perdido. Está obsesionado con el pasado y, con el tiempo, verá las caras amigables que lo rodean: el cajero (Eduardo Minett) que ocupa el papel obligatorio de hijo sustituto, la alegre registradora (Andrea Chaparro)riéndose de sus payasadas – han enriquecido su vida tal como está. Es lo mismo de siempre, pero Guerreroencanto de papel de lijaaviva el viaje trillado a un destino sin inspiración.

Si bien Netflix ofrece una amplia gama de bastardizaciones de Eat Pray Love para elegir, ninguna iguala la inestabilidad tonal que ubica a esta variedad alemana: Essen Beten Lieben, ¿Supongo? – en su propia dimensión extraña. Conocemos el procedimiento: una mujer engañada (Naomi Krauss) sale de su depresión con una escapada que promete un nuevo interés amoroso y una perspectiva reorientada, en este caso a través de una parcela de tierra heredada en una Croacia favorable a los impuestos.pero cada pieza del esquema tiene un error de cálculo. Nuestra chica Zey tiene una familia hilarantemente despreciable, su comportamiento patológico y desconsiderado intenta demasiado generar simpatía por las madres y esposas anónimas. Y en cuanto al chico del campo (Goran Bogdan), quien le derrite el corazón, sus divertidas disputas en el patio de la escuela se parecen más a la animosidad real de la incompatibilidad, comenzando con su burla de Zey por su faja moldeadora. Al servir agresivamente a esta particular fantasía de autorrealización, los guionistasJane Ainscough y Alex Kendall pierden el contacto con la atmósfera alegre que primero hizo que este tipo de escapismo fuera tan irresistible.

El éxito del calibre de Cincuenta Sombras de las películas de 365 Días evidentemente ha convencido a los programadores de Netflix de que el mercado exige más agilidad.polacosyendo a la ciudad el uno del otro, un nicho atendido aquí tan ampliamente comode poco impulso sexualmujer de familia Nina (Roma Gąsiorowska). Con su marido carnalmente negligente en una conveniente expedición de senderismo de un mes de duración, ella tiene la libertad de reavivar pasiones con un atento viejo amor.Janek (Maciej Musial), un macho alfa superior en todos los sentidos. No es difícil ver lo que ella ve en Mister Perfect, pero su supuesta conexión a nivel atómico no se ve confirmada por las tibias escenas de sexo que no llegan a la pervertida inventiva de 365 Days. Además, lo que está en juego en esta infidelidad carece de cualquier carga emocional y todas las partes involucradas se comportan con serenidad. (Oye, tal vez eso sea solo Europa para ti). Aunque el directorRobert Wichrowski quiere que sintamos la oleada deilesodeseo, hace poco más para lograrlo que colocar a dos personas telegénicas en el mismo marco.

Javier (Álvaro Cervantes) posee el tipo de superpoder que sólo se ve en las comedias románticas de alto concepto no tan alejadas de Good Luck Chuck: cuando le da un beso a una mujer, inmediatamente tiene una visión de cómo se desarrollará su relación. En su mayor parte, esto significa una actitud desapasionada.Ámalos y déjalos para prospectos que sabe que no tendrán éxito, hasta que unoandanteUn beso a la novia de su mejor amigo (Silvia Alonso) le augura un futuro de matrimonio, hijos y felicidad. El desorden resultante no logra elegir una dirección y comprometerse con ella, haciendo una finta poco entusiasta hacia la comedia, el deseo puro y la comprensión entre hermanos sin cumplir con ninguno de ellos. El verdadero dilema de qué hacer cuando te das cuenta de que serías mejor pareja para la novia de un amigo se soluciona con una simple lección sobre cómo determinar nuestro propio destino romántico, un derecho que nadie fuera de esta premisa descabellada consideraría en riesgo. en primer lugar.

Este misterio turco resulta muy útil desde el principio al presentar al personaje profundamente identificable Sadik (Nejat Isler), un aspirante a detective privado obsesionado con Elliott Gould en The Long Goodbye. ¿Quién entre nosotros? Cae en su propia red de intriga y engaño al estilo Marlowe mientras rastrea al hijo de la niñera de su abogado, un camino sinuoso que lo lleva a gánsteres, asesinos y un montón de mujeres fatales. Las múltiples y a menudo contradictorias relaciones de Sadik con las mujeres se convierten en un signo de interrogación más convincente que su búsqueda de una persona desaparecida, delineando a un hombre en conflicto que contempla al sexo opuesto con una mezcla de adoración, desprecio, afecto y miedo. Al más puro estilo chandleriano, seguir las numerosas pistas falsas y callejones sin salida de la trama nos permite compartir los efectos desorientadores del comprometido mundo de Sadik. El raro Netflickdecidido acerca de su convolución se pega al aterrizaje, sin estar a la alturaRobert Altmanejemplo idolatrado pero todavía en la zona correcta de deriva existencial.

Un adicto al trabajo aburrido por las cosas familiares descubre que puede saltarse los períodos más aburridos de su tiempo, sólo para perder el control de esta habilidad y darse cuenta de que se está perdiendo los pequeños momentos anodinos que conforman esta gran aventura que llamamos vida. Si el escenario de esta comedia italiana impregnada de la tradición del Realismo Mágico para Dummies nativo de Hollywood suena un poco como el del vehículo Click de Adam Sandler, tal vez la expresión más desnuda de ansiedad de un guionista de mediana edad por estar fumando demasiada hierba como para apreciarla. el crecimiento de su hijo, eso se debe a que son prácticamente iguales. En lugar de un control remoto encantado, nuestro hombre Dante salta repetidamente un año adelante sin hacer nada y, lo que es más importante, el actor principal Edoardo Leo carece de la cualidad de hombre común rechoncho pero adorable que hace que el espectador se preocupe por su aburrimiento. Se da cuenta de lo valiosos que son sus seres queridos, pero la cuestión de qué obtienen de tener un tipo tan insignificante en su vida sigue sin abordarse.

Este vehículo esponjoso para Reese Witherspoon y Ashton Kutcher toma prestado generosamente de los clásicos de las comedias románticas, combinando el dispositivo de separación geográfica de Sleepless in Seattle, un intercambio de casas de The Holiday, la química platónica de amigos en la negación de When Harry Met Sally. …, y About a Boy, la pareja de un soltero con problemas de desarrollo y un joven precoz que lo impulsa a crecer. Pero este guiso de tropos familiares se ve renovado por el ingenio desequilibrado de la escritora y directora Aline Brosh McKenna, creadora de la magnífica Crazy Ex-Girlfriend (cuyo elenco desempeña muchos de los papeles secundarios de esta película). A través de ritmos desgastados unidos por dispositivos antiguos, el encanto indomable de los protagonistas llega a la cima con la ayuda de chistes más chiflados y más sólidamente construidos que los que el Netflick promedio puede reunir. Todo es obvio, pero como el acólito de las comedias románticas McKenna entiende muy bien, eso puede convertirse en una virtud.

Felicitaciones al director Eiichiro Hasumi. Justo cuando parecía que la vida había sido completamente extraída de la premisa del bucle de tiempo infinito con todos los hijos bastardos del Día de la Marmota llegando a la misma conclusión budista sobre la “presencia en el presente”, logró encontrar un nuevo ángulo al abandonar la filosofía. Para él todo es un juego, en el que el concepto de día repetido no tiene más profundidad simbólica que un botón de reinicio para los ocho estudiantes japoneses de secundaria encargados de localizar las partes amputadas del cuerpo de un niño asesinado décadas antes. El conjunto tiene toda la profundidad y humanidad de las piezas de Monopoly, siendo su movimiento alrededor del tablero (perseguido por un espectro de ojos vacíos llamado la Persona Roja) el alcance total de su propósito. No hay ningún trasfondo personal aquí, pero a pesar de la alienante falta de interioridad en esta pesadilla del gato y el ratón, la evidente fascinación de Hasumi por la fría y dura mecánica del J-horror es su propio placer.

Dato curioso: los hombres lobo tienen sus raíces en el antiguo mito nórdico, como lo deja claro el prólogo que abre la película de terror cubierta de musgo de Stig Svendsen con un grupo de locos que, sin saberlo, liberan a un licántropo en los bosques escandinavos. En el presente, la bestia se dirige a Thale (Elli Müller Osborne), la chica nueva del suburbio de Nybo, que prefiere comerse con los ojos a la persona que le gusta y evitar la vergüenza de su madre policía, Liv (Liv Mjönes). Su transformación la pone en desacuerdo con mamá, quien está interesada en el caso de lo que sea que ha estado dejando cadáveres destrozados en la ciudad, aunque Svendsen no parece demasiado interesado en esta configuración como metáfora de cómo la rebelión de la adolescencia pone a prueba el vínculo entre padres e hijos. niño. Él toma esta tensión un poco más literalmente, fijándose en cambio en el conflicto interno más simple de Liv entre su obligación profesional de proteger a su comunidad y sus instintos maternos de proteger a su hija. La película apunta a la ira salvaje que atraviesa una conciencia animal, pero su ligereza da la impresión de domesticación.

La joven y libidinosa Laras (Shenina Cinnamon) es como la Tina Belcher de su elegante escuela preparatoria filipina, canalizando su vívida imaginación erótica en una ficción de amigos que la presenta y aplasta a David (Emir Mahira) en una variedad de escenarios de fantasía apasionantes, aunque mansamente interpretados. Pero cuando accidentalmente deja su cuenta de blog caliente conectada a una computadora de la clase, las consecuencias van más allá de la mera humillación ya que su comunidad socialmente conservadora se escandaliza por la obscenidad del escritor de misterio. Lo que podría haber sido una simple comedia sobre la mortificación adolescente aspira a Spring Awakening: un comentario adyacente sobre la suma importancia de dejar que los niños sean ellos mismos, raros y cachondos, a pesar de una cultura represiva que les haría negar sus tendencias naturales. El director Lucky Kuswandi abraza el humor incómodo y pegajoso de estos años de formación mientras se centra en cómo encaja en un mundo adulto hostil, en el que lo que está en juego en una vigilancia moral duramente censuradora es mayor que un poco de sonrojo. Como tantas cosas, la negatividad sexual del Estado se revela como un medio más de controlar a las mujeres.

Por un tiempo, este romance de Nollywood transcurre sin mucho fuera de lo común: un par de amigas (Nse Ikpe-Etim, Dakore Akande) no saben que ambas están jugando el papel secundario del operador casado Sunday (Oris Erhuero). . El director Walter Taylaur nunca se detiene a considerar qué canalla es este tipo y toma su noción egoísta del amor por tres mujeres al pie de la letra, tal vez en una señal de advertencia temprana de los catastróficos errores de cálculo que se producirán en la segunda mitad de la película. El ligero negocio de las relaciones da paso a un melodrama tremendamente descalibrado una vez que Sunday tiene que elegir a su mujer, elección que se hace imposible por un par de giros de trama francamente trágicos que borran cualquier coherencia emocional junto con nuestra suspensión de la incredulidad. La camaradería femenina realista entre Ikpe-Etim y Akande lleva la película antes de que se desmorone, lo que sólo hace que estos desgarbados ataques de patetismo se sientan como una decepción aún mayor.

Tras la muerte de su padre, los hermanos adultos separados Gabriela (Ana Serradilla) y Fernando (Mauricio Ochmann) se embarcan en un viaje por carretera en busca de todo y de nada. Esta comedia dramática mexicana que detalla su odisea de autodescubrimiento mutuo plagada de contratiempos muestra una desconexión discordante entre su habilidad para crear personajes y los mohosos tópicos del resto de la escritura. Los protagonistas capturan la intrincada dinámica entre hermanos y hermanas adultos, sus constantes disputas y chistes internos inescrutables, una lengua vernácula a través de la cual expresan un amor tan profundo y duradero que, a menudo, pueden darse el lujo de odiarse mutuamente. Pero las circunstancias en las que han sido insertados suenan falsas una y otra vez, ya sean las travesuras de los drogadictos en una fiesta hippie o la introspección conjunta que pasa de lo “conmovedor” para aterrizar en lo “vacío”. La trama prescriptiva y torpe solo empeora en el tercer acto, donde la entrañable plausibilidad de los protagonistas no rivaliza con la falsedad que los rodea.

El español Patxi Amezcua intenta hacer algo rápido aquí, haciendo pasar el enésimo thriller de asesinos en serie relacionado con el ocultismo (es un fan declarado de True Detective) como algo nuevo al situarlo en los primeros días de COVID-19. Pero el escenario no tiene nada que ver con la trama, que no está desarrollada más allá de que el decorado sea puesto en primer plano de manera constante y molesta. Las máscaras usadas hasta que puedan ser desechadas y las llorosas sesiones de Zoom con los niños solo aplican una capa superficial de pintura a los componentes más jugados del lado pofa del género criminal. La eventual revelación del culpable como un tipo que realiza un vago ritual por razones aún más vagas se siente decepcionante pero completamente apropiada para una película con solo una leve idea de por qué existe. Como documento de su momento, no tiene ninguna idea que ofrecer sobre los aspectos de la respuesta a la pandemia específicos del norte de España. La persistente pregunta de por qué Amezcua abordaría el tema del coronavirus si no tenía interés en abordarlo seriamente sólo invita a la respuesta poco halagadora de una táctica barata para llamar la atención.

Chihiro (Kasumi Arimura), ex trabajadora sexual y protagonista del manga Chihiro-san que adapta aquí el director Rikiya Imaizumi, flota por su rincón de los suburbios de Japón con la falta de rumbo de un vagabundo existencial, sus acciones aparentemente inconexas organizadas menos por la trama que por el cambio. filosofías. Con una graciosa gratitud, Chihiro sana y ayuda a las personas que la rodean en un esfuerzo por comprender la aleatoriedad de la vida, un cruel juego de azar que puede ser tan mundano como los recados diarios o tan trágico como la muerte de un hombre solitario. El tono es meditativo y tranquilo, pero no lo confundas con un tema amable. La actitud firme de Chihiro contradice el peso emocional contundente de algunas escenas, todas interpretadas sin histrionismo. Lo que signifique su odisea sin destino depende de nosotros, cualquier conclusión es igualmente válida: que debemos cuidarnos unos a otros, que debemos defender nuestro propio bienestar, que estos dos son inseparables.

El gancho del ciber-thriller del actor convertido en director Kim Tae-joon es lo suficientemente agudo como para hacer sangre: un asesino en serie (Im Si-wan) dirige un taller de reparación de tecnología e instala software espía en los teléfonos de sus víctimas para poder acechar virtualmente cada uno de sus víctimas. moverse, jugando con ellos antes de finalmente atacar. A pesar de algunos juegos inteligentes con tomas de pantalla en primera persona sacadas de Decisión de irse, el problema radica en el seguimiento de Kim: desde la idiotez de Lee Na-mi (Chun Woo-hee) en peligro hasta la torpe trama secundaria que involucra a un detective de policía ( Kim Hee-won), quien puede ser el padre del culpable. El aumento de la tensión, que debería ser angustiosamente gradual, resulta lento, no ayudado por una paleta visual insípida y desprovista de cualquier intensidad expresionista que coincida con el extremismo psicológico. La inclinación innovadora de la configuración del gato y el ratón merece un guión que pueda igualar su diabólico ingenio.

El cineasta Christopher Landon parecía tener una buena comprensión de la comedia de terror en la película slasher de intercambio de cuerpos Freaky, pero al elegir Netflix, asumió muchos de los defectos de la casa: un tiempo de ejecución inflado, una Trama de asesinato y misterio orientada en torno a giros tardíos en el juego y una monotonía visual letal. Los Presley (liderados por Anthony Mackie como uno de esos padres que siempre necesitan mejorar en las películas familiares) acaban de mudarse a una nueva y ornamentada residencia con un okupa espectral (un David Harbour pálido y peinado, desaconsejablemente privado de diálogo). Naturalmente, los hijos (Jahi Di'Allo Winston y Niles Fitch) convierten esta inquietante estrella en un estrellato viral que atrae a un agente del gobierno (Tig Notaro) y a una psíquica cadete espacial (Jennifer Coolidge, la salvación en todo esto), pero, por supuesto, , los chicos desarrollan una afinidad por el bribón intangible y aceptan ayudar a descubrir la causa de su muerte hace tantos años. Al igual que la aparición titular, solo nos quedan arrepentimientos no resueltos: si solo el humor fuera más fresco, si solo la escritura se adhiriera a una lógica interna más sólida, si solo las partes aterradoras fueran aterradoras, si, si, si...

La ciudad de Medellín, que alguna vez fue hogar de Pablo Escobar y sigue siendo el epicentro de la floreciente industria de la cocaína en Colombia, ofrece un telón de fondo agitado para esta mirada lírica a las vidas de cinco niños de la calle que intentan labrarse un pedazo del mundo para sí mismos. En cuanto al líder de facto Rá (Carlos Andrés Castañeda), eso es literal; el territorio arrebatado a su abuela desplazada por los colonos hace años le ha sido devuelto como parte de un programa de restitución del gobierno, y todo lo que necesita hacer es ir a la tierra prometida. El viaje hasta allí estará plagado de peligros, así como de pequeños respiros de humanidad proporcionados por los amables empleados de hotel trans y las trabajadoras sexuales de mediana edad que encontrarán en el camino; su camino será una muestra representativa de las diversas poblaciones que luchan por sobrevivir en un entorno hostil hacia los jóvenes. Es posible que la Academia haya pasado por alto la presentación de Colombia al compilar su lista de finalistas a Mejor Película Internacional, pero ejemplifica la combinación de arte e identidad regional que recompensa las curiosidades globales.

Los coguionistas Jonah Hill y Kenya Barris critican las relaciones raciales entre negros y judíos con una comedia de choque cultural que combina la vergonzosa incomodidad de Meet the Parents con una inversión del comentario social en Guess Who's Coming to Dinner. Barris dirige y Hill interpreta a Ezra, un podcaster generalmente ingenioso que colecciona zapatillas y procesa su vida amorosa a través de la discografía de Drake, cuya frialdad se desmorona una vez que consigue una novia negra (Lauren London) y debe impresionar a su padre musulmán militante, Akbar. (Eddie Murphy, reservado). Tartamudea para caer en todas las trampas que le han puesto (en su primer encuentro con Akbar, se refiere a Malcolm X como “nuestro chico” y “la CABRA”), pero el guión toca nervios más reales y tiernos cuando Akbar menciona casualmente su inclinaciones anti-vacunas, o su invocación de la grandeza de Louis Farrakhan frente a los padres judíos de Ezra (Julia Louis-Dreyfus y David Duchovny). La recta final vuelve a caer en clichés a medida que cambia el enfoque de las relaciones sociales a una única relación romántica, pero llega a la conclusión sólida y cada vez menos controvertida de que, si bien los blancos nunca pueden saber lo que es ser negro, aceptarlo es el primer paso. paso para que todos se lleven bien.

La serie no oficial de Netflix de oscuras películas secundarias de la Segunda Guerra Mundial (incluidas Operation Mincemeat y Munich: The Edge of War, entre muchas otras) obtiene una nueva entrada con este relato de la invasión del ejército alemán a Noruega, un país neutral pero estratégicamente importante, durante la Guerra Mundial. Segunda Guerra. Gunnar (Carl Martin Eggesbo) sirve en la “guardia de neutralidad” que protege la frontera pacífica, sólo para ser hecho prisionero por los nazis; Su esposa, Ingrid (Kristine Hartgen), tiene la opción de Hobson entre servir como intérprete para los ocupantes enemigos o enfrentarse a una muerte segura. La película salta entre sus respectivas dificultades, y su motivación organizativa es un tributo al sufrimiento y la resistencia del pueblo noruego, que ni siquiera puede tomar un respiro cuando el ejército estadounidense "liberador" irrumpe y comienza a disparar sin distinguir a civiles de soldados. Si bien es edificante sobre el alcance de la devastación de la Segunda Guerra Mundial, la acción de la película en el frente y en casa tiende a avanzar pesadamente como tantas tropas congeladas pisoteando la nieve crujiente.

Con este ingenioso thriller tecnológico ambientado en el siglo XXII, el inconformista surcoreano del género Yeon Sang-ho (director de Train to Busan y la propia Psychokinesis de Netflix) adopta una postura empática sobre el tema de la IA, generalmente reconocida como un concepto peligroso si no se moldea. en un villano absoluto en ciencia ficción distópica como esta. En medio de una guerra espacial, una robotista (la trágicamente fallecida Kang Soo-yeon) trasplanta la conciencia de su madre mercenaria en coma (Kim Hyun-joo) a un androide con errores pero curiosamente humano. El noble trabajo de inventar una nueva vida, aquí un proceso de refinamiento de prueba y error en el que un niño devuelve el favor de haber sido criado por sus padres, es la vocación más elevada; el verdadero malo es la junta de supervisión que intenta cerrar el programa de robótica, y la película guarda su mayor nota de lamento para una forma particularmente grotesca de maltrato al modelo JUNG_E. Sin embargo, a pesar de todas sus ideas novedosas, la visión del mundo del mañana con paneles de acero e iluminación con barras luminosas de Yeon se parece demasiado a muchas otras.

Tan duradero como el cuero crudo en el papel de un detective que persigue a un asesino oculto alrededor de 1830, Christian Bale demuestra ser un activo invaluable para este thriller de época, a veces con una trama inestable. Bale, junto con el talentoso elenco, que incluye a Gillian Anderson, Timothy Spall, Toby Jones, Charlotte Gainsbourg y Robert Duvall, clasifica el porro mientras se acumulan las personas a las que les faltan corazones. La investigación del detective Augustus Landor cuenta con la ayuda más significativa de un joven cadete llamado Edgar Allan Poe (Harry Melling, que aporta una fragilidad fundamentada a un concepto que alguna vez se usó como remate en Party Down). Todos tienen sus secretos, el mayor de los cuales complace el actual fetiche de Netflix por los giros arriesgados en la hora 11, aunque todo está al servicio de darle a Bale más carne para roer. Su mirada demacrada está impregnada de resignación que poco a poco se convierte en venganza; es uno de los pocos actores con la seriedad necesaria para vender la total seriedad del director Scott Cooper.

Los detractores de Martin Scorsese imponen muchos cargos contra él: no tiene ningún interés en sus personajes femeninos, romantiza a los criminales sádicos, es todo estilo con poca sustancia, pero esta imitación polaca de Goodfellas en realidad es la película que los que odian a los jugadores acusan del artículo genuino. de ser. Con un presupuesto modesto de más de dos horas, esta epopeya descabellada muestra el ascenso de un advenedizo hambriento en las filas del mundo de las pandillas, tomando prestada la música de pared a pared, las plataformas rodantes de las cámaras y la energía desbocada y drogada de Henry. Las memorias del sabio de Hill. Pero no hay forma de imitar al maestro, evidente en el descuido de sus finos trazos: que nuestro hombre anónimo (Marcin Kowalczyk) se adhiere a un código moral para que no tengamos sentimientos complicados hacia él, que su esposa (Natalia Szroeder) ofrece límpidas sonrisas de apoyo y poco más, que la cinematografía se deleita en el hedonismo degradado sin exponer el vacío enfermizo que hay debajo. Todo el mundo quiere ser Marty, pero él camina sobre una traicionera cuerda floja tonal desde la que sus imitadores se enfrentan.

En este complemento ficticio del documental del cineasta de 2019 sobre el mismo tema, Nosotras, la directora Natalia Beristain mantiene su atención en la epidemia mexicana de secuestros a manos de criminales organizados. Se centra en el aspecto de género de esta violencia generalizada destacando el caso de la desaparecida Gertrudis, tenazmente buscada por sus infatigables padres, Julia (Julieta Egurrola) y Arturo (Arturo Beristain, padre de Natalia), aunque sólo sea para poder tener el cierre de su muerte. Su desalentadora búsqueda de la verdad nos lleva no sólo a través de su dolor aplastante, sino a todo un ecosistema social que ha surgido alrededor de esta comunidad de afectados, desde las autoridades desinteresadas bajo el control de las pandillas locales hasta los grupos de acción ciudadana que realizan el trabajo que los policías no lo harán. Informativa sin didactismo, conmovedora sin explotación, la película utiliza pinceladas de la vida real (un puñado de actores no profesionales muestran sus cicatrices emocionales ante la compasiva cámara de Beristain) para subrayar la urgencia de la crisis más amplia que describe.

Netflix obtuvo los derechos de esta secuela de una comedia romántica popular en Kenia, la segunda entrega de un riff yoruba del mosaico de parejas al estilo Love, Actually. Un conjunto de corazones solitarios se reúnen en torno a una boda tradicional en Mombasa: el que tiene fobia al compromiso y que no se da cuenta de que necesita sentar cabeza, la pareja que atraviesa un momento difícil, la mujer abandonada que intenta recuperarse de su ex infiel. Compartiendo espacio con algunas otras líneas narrativas, todos están abarrotados en una película que los lleva a través de puntos de la trama sin darle a nadie espacio para respirar; Como en cualquier boda, todo parece apresurado y agitado hasta la ceremonia propiamente dicha, cuando la oportunidad de detenerse y reflexionar activa los detonantes sentimentales. Hacer vibrar las fibras del corazón requiere poco esfuerzo, pero aquellos que presionan “reproducir” por la misma razón que uno asiste a una boda de destino (un paisaje exuberante, la posibilidad de una conexión, un poco de diversión en un lugar desconocido) encontrarán satisfechas sus expectativas.

Mientras camina por los Apalaches a mediados de los años 90, el universitario Fielding Marshall (Johnny Berchtold) pierde a su angelical perro Gonker, y la búsqueda resultante acerca a la Generación X a su padre adicto al trabajo (Rob Lowe) en una dinámica fácilmente reconfigurable. Las tensiones intergeneracionales actuales. El patetismo puro del amor entre el chico y su leal compañero puede llevar una película bastante lejos, pero el director Stephen Herek obliga al resto del mundo a ser tan sano y serio como el dulce y confiable goleador Gonker (llamado así porque una vez se folló a Whippersnapper Fielding en la cabeza). Nadie actúa como una persona real, ni la pandilla de motociclistas con sentimientos blandos ni la madre (Kimberly Williams-Paisley) que simplemente intenta descubrir este novedoso "Internet" del que sigue escuchando, todos ellos bidimensionalmente optimistas. Lo más extraño de todo es cómo se presume que esta historia real y corriente tiene la notoriedad que merece un tratamiento cinematográfico, con la desaparición de un perro tratada como un fenómeno viral en un mundo pre-online.

Eryk (Piotr Witkowski), la trampa ambulante de la moralidad selectiva en el centro de esta demente comedia negra polaca, no es un padrastro: es el padre que dio un paso al frente para criar al joven Tytus, el terror de su novia ante un niño en riesgo de expulsión de escuela. Con el sonido de las campanas navideñas en el aire, irrumpe en una obra de teatro de Navidad en progreso para obstruir en nombre del pequeño Tytus ante la camarilla de la PTA, argumentando que el niño merece la oportunidad de crecer y mejorar, ese es posiblemente el objetivo de la educación formal. (Que el niño pueda ser realmente malvado no le da mucha pausa a Eryk o a la película que lo rodea; ¿qué niño de 6 años no lo es?) Como en la escandalosa obra de teatro God of Carnage de Yasmina Reza, los adultos comienzan a actuar como si fueran adultos. mocosos mientras discuten los conflictos de sus descendientes por ellos, la tiránica abeja reina Justyna (Lena Gora) pasa a primer plano como la némesis de Eryk que debe ser derrocada. Como una autoproclamada madre perfecta, es un verdadero placer odiarla, su enfoque más santo que tú para la crianza de los hijos no es tan malo como las honestas tonterías de Eryk.